奥弗顿用她在周遭环境中发现的物件和元素来制作雕塑，而这一遴选与工作过程是由她所描述的"材料内在的自然雕琢"所驱动。她选择半现成品材料，通过视角或方位的调转来改变它们的用途与功能。像奥弗顿的许多作品一样，此次展览中使用的材料在成为艺术品之前，早已有过一段前传。在展出的新雕塑系列中，奥弗顿重新组合了铝制字母与商标，它们是从装饰在高层商业建筑大厦外立面的标牌中挽救下来的。

在雕塑和纸上作品中，几何学被用来制造一种张力，这种张力似乎与材料的内在质感背道而驰。奥弗顿利用这精心平衡的张力来探索作品的诗性潜力，比如，在《无题（老虎之眼）》(2019)中，作品由红色标牌的分割部分组成，这些碎块被装配成为一个近乎完美的正方形，而中间则是一个椭圆形空洞。这件由不完美的金属下脚料组成的浮雕归结为一个和谐的整体，达到一种均衡，不仅使观众注意到它的物质性----它的曲线、瑕疵和风化的肌理----并且同样注意到作品所占据和取代的空间。通过对资本主义社会机制加以利用，此作品现在"向一个全新的方向分离"。

而在《无题 #11粉色》(2020)中，奥弗顿回归了霓虹灯与拾得物的并置使用：一根铝制卡车横杆----用来覆盖皮卡车车底边缘的长金属条----靠墙安装，并与一根弯曲的铝条合为一体，其弯曲的边缘以一条精巧的粉红色霓虹灯管勾勒出来。在这里，艺术家通过激活废弃的卡车横杆打破了「垃圾与珍宝」之二分法；并有意将不同的材料结合成单一的凝聚性姿态。

和雕塑同时展出的还有一系列纸上作品，由切割的粘性乙烯基凸印拼接而成，然后再粘在纸上。以20世纪初的结构主义拼贴为索引，奥弗顿依靠纸的平面发展出一种三维性构图，她将字母一个个叠加，从而在最终的图形结构中打开空间。奥弗顿的雕塑和纸上作品创作是同时进行的，她将这些作品描述为"两条支流汇聚一处，但在物质性上各自保持独一无二。"

美国作家丽贝卡·索尔尼特提出："色彩的名称有时如同笼子般，盛装着不属于那里的东西，这通常也适用于语言[...]我们需要这些字词，但使用它们时最好也了解，字词是始终外溢并打开的容器，永远具备超越性。"奥弗顿展览中的诗意暗涌提醒着我们：即便以一种新的形式存在着，这些作品仍然挥洒着它们的物质性历史，激励我们超越语言，超越物质，并享受它们全新的异质性。

简历

弗吉尼亚·奥弗顿1971年出生于田纳西州纳什维尔，目前生活工作于纽约布鲁克林。她曾于多间国际机构举办个展，包括纽约苏格拉底雕塑公园(2018)；亚利桑那州，图森市当代艺术博物馆(2017)；纽约惠特尼美国艺术博物馆(2016)；康涅狄格州，里奇菲尔德市奥尔德里奇当代艺术博物馆(2016)；迈阿密当代艺术博物馆(2014)；德国明斯特Westfälischer Kunstverein 画廊(2013)；瑞士伯尔尼美术馆(2013)；德克萨斯州，达拉斯市发电站当代艺术中心(2013)；和田纳西州，孟菲斯The Power House 画廊(2007)。她参与的群展包括克利夫兰当代艺术三年展(2018)；密歇根州，底特律市当代艺术博物馆(2017)；以及宾夕法尼亚州，费城当代艺术学院(2016)