李镇雨的艺术遵循着这样的原则：极简的手势、形式上的重复以及谦逊的身体劳动。他的艺术延展自单色画运动（Dansaekhwa），这是一项在20 世纪 70 年代兴起的韩国画家团体运动，其中的领军人物包括朴栖甫（Park Seo-Bo）和李禹焕（Lee Ufan）。除了观念上的运用外，李镇雨的创作在材料方面从泥土中提取主要媒介，并通过仪式化的重复来改造这些材料。木炭和韩纸（一种用桑树皮制成的韩国传统纸张）通过艰辛的转化过程后，成为一道抽象的 “风景”，跃然纸上：这些画作变幻莫测且令人深思，唤起人们对无尽空间的感知。正如艺术家本人所言：“一旦我进入绘画时，我就成为了一条画画的手臂。我的手是我大脑的延伸，而我则停止了思考。我的作品是直觉性的。我行走在虚幻的风景中，并向前迈进。”

李镇雨1959 年出生于首尔，20 世纪 80 年代移居巴黎后在国立高等美术学院学习多年。1993 年，他回到韩国，并于1990 年代末在首尔郊外的山坡上建造了一间工作室，以便与自然和谐共处，并精进自己的实践方法。2005 年，他最终回到巴黎，并一直生活工作至今。虽然李镇雨的创作主要受到朝鲜王朝的绘画大师郑敾（号谦斋， Gyeomjae Jeong Seon，1676-1759 年）的影响，但他的作品同样受到不少西方绘画的启发，尤其是克劳德·莫奈（Claude Monet）的杰作给他带来的“重要启示”。巴黎求学时期的李镇雨在奥赛博物馆初次邂逅莫奈的大作，当下他对作品所产生的情感回应对其产生了深刻的影响，以至于他在之后的绘画创作中都希望自己的画作能够让观众产生同样深刻的直觉反应，

自 20世纪90年代起，李镇雨就开始尝试使用木炭创作，大约从 2008 年开始，他将木炭用于整个画作表面。他的作品体现了密集劳动付出所产生的结果。整个过程始于研磨木炭，然后进行过滤、粘合。接着，他将这种混合物覆盖在亚麻画布的底布上，再用韩纸完全覆盖在亚麻布表面——艺术家将这一动作视为个人“无效化”的形式。随后，他用铁刷反复刮擦和敲打表面，耗时两到三个月。随着时间的推移，韩纸和木炭逐渐融合在一起，变得愈发厚重，形成至少10层（有时多达20到30层）的堆积物，直至出现清晰的图像，最终的成品由此诞生。

李镇雨的画作由厚厚堆积的物质组成，这些材料在画作上形成了粗糙的表面，并呈现出立体的浮雕效果，如同凸起的山丘和低伏的沟壑。光影在这些起伏不定的表面上，发挥出了无限变化的色调与效果。李镇雨画作表面的堆积物看上去更像是地质构造而非人造产物，让人联想到遥远的冰川世纪以及漫长的时光历程。同时，李镇雨作品中的印记和擦痕勾连起了既虚无又存在的感觉。形式的纯粹性以及对矿物世界材料的直接使用，营造出了作品平静的构图。艺术家表示，他并不希望自己的绘画仅仅是“视觉图像”，而是一个由消除了“自我”的艺术家所演绎出来的产物。

类似的“自我”遗失、由直觉所领导的创作，也体现在了李镇雨以书法为出发点的纸上作品——这种印记制作形式是艺术家每天在工作室做的第一件事。本次展览中的六幅纸上作品亦使用了来自韩国本土的材料，并同样探讨了油画中必不可少的主题：掩盖、时间的流逝以及作者性的抹除。这些纸上作品由直接绘制在韩纸上的重复书法语句组成，成为了一种文本自我消解的书写载体。在李镇雨看来，“这更像是无休止的行动和劳动，而不只是画完后再往上覆盖一层图像”。他表示：“30多年来，我一直在进行这种掩盖和令其失效的行为。”